À 82 ans, le peintre pionnier connu pour ses œuvres figuratives stylisées n’a jamais été aussi demandé

Le hall caverneux du Metropolitan Museum of Art de New York est bondé de monde, mais il est impossible de manquer Alex Katz. L’artiste célèbre pour ses peintures figuratives lumineuses se tient près du bureau d’information, vêtu d’une parka si orange aveuglante qu’elle semble radioactive. L’orange est l’une des couleurs préférées de Katz, et la veste, ornée de bandes argentées réfléchissantes, est du genre qu’un membre d’une équipe routière pourrait porter pour diriger la circulation sous une tempête de pluie. Mais cette parka de fabrication française est carrément chic, un peu à l’image de son propriétaire, qui paraît au moins dix ans de moins que ses 82 ans, avec une tête lisse (il la rase quotidiennement) et des traits aussi pointus que ceux des silhouettes suaves qui peuplent son peintures.

Il est venu au Met pour voir une exposition d’œuvres de Pierre Bonnard, le postimpressionniste français qui a eu une grande influence aux débuts de Katz. « Bonnard était très important au début des années 1950 », explique Katz. « Sa peinture allait dans la même direction que (Jackson) Pollock : loin d’un plan confiné. Elle était entièrement tournée vers la lumière, juste de la lumière et de la couleur. » Il poursuit : « Ce sont de superbes tableaux, ils ont une super ambiance. Bonnard est superbe avec les rouges et les oranges, c’est très difficile d’avoir de la transparence avec du rouge ! »

Non-conformiste depuis le début, Katz a atteint sa majorité alors que régnait encore l’expressionnisme abstrait, mais il s’est tourné vers la peinture de paysages et de figures humaines. Au fil du temps, ses tableaux s’agrandissent. « S’appropriant l’échelle monumentale, la composition austère et la lumière dramatique des expressionnistes abstraits, il battrait la génération héroïque à son propre jeu », écrivait le critique Carter Ratcliff dans une monographie de 2005 sur Katz.

« C’était une porte ouverte », dit aujourd’hui Katz. « Personne ne faisait de peinture figurative à grande échelle. »

S’inspirant des films et des panneaux d’affichage du Cinémascope, ses images très stylisées anticipent également le Pop Art. Son évocation impassible de personnages plats et brillants avait une qualité quotidienne qui les liait à l’art commercial et à la culture populaire. Au début, son travail était souvent critiqué. Clement Greenberg, le critique célèbre pour avoir défendu les expressionnistes abstraits, « a en fait fait tout son possible pour dire à quel point j’étais nul », se souvient Katz dans un article qu’il a écrit pour le Nouveau critère.

Mais l’opinion critique n’a jamais semblé importer à Katz. « Alex est un homme d’une confiance et d’une clarté suprêmes », déclare Adam Weinberg, directeur du Whitney Museum of American Art. « Il a rapidement compris ce qu’il faisait et s’est montré absolument intrépide et déterminé dans cette quête. Cette persévérance lui a permis de surmonter les mouvements contradictoires du monde de l’art. »

Aujourd’hui, la popularité de Katz explose. Ses évocations typiquement américaines des gens lors de cocktails ou de la plage et ses paysages du Maine ont pris leur envol en Europe, notamment après que le collectionneur Charles Saatchi a exposé ses Katze dans son musée privé à Londres il y a dix ans. Le peintre a également trouvé un nouveau public important aux États-Unis. Alors que la peinture figurative faisait son grand retour à la fin des années 80 et dans les années 90, une jeune génération d’artistes a commencé à voir Katz avec une nouvelle appréciation. « Les artistes regardaient leurs prédécesseurs, mais peu d’entre eux étaient restés constants dans cette zone figurative, avec son niveau de détachement », explique Weinberg. « La coolness est quelque chose que les artistes de toutes générations admirent : cool dans le sens du détachement, mais (aussi) cool dans le sens de la hanche. »

Comme Warhol avant lui, Katz n’a aucun problème à relier les mondes de l’art et de la mode, qu’il s’agisse de créer des œuvres d’art pour W magazine ou demander à des mannequins tels que Christy Turlington et Kate Moss de poser pour lui. « J’ai toujours été intéressé par la mode parce qu’elle est éphémère », dit-il. Katz lui-même a même été mannequin pour le catalogue de printemps de J. Crew cette année.

L’élégant octogénaire est, de son propre chef, toujours aussi occupé. Jusqu’à présent cette année, Katz a exposé à Milan et Catanzaro en Italie, à Paris, à Vero Beach en Floride, en Finlande et dans sa galerie new-yorkaise PaceWildenstein, où il a récemment montré une série de couchers de soleil monumentaux.

« Je veux rivaliser avec les enfants ! » » a-t-il déclaré un après-midi alors qu’il était assis sur un canapé en cuir dans son loft de SoHo, à Manhattan, où il vit depuis 1968. Juste au-delà du salon se trouve son studio, un espace aéré aux murs blancs et inondé de lumière du jour. Il n’y a pas une tache de peinture sur le sol en linoléum. « Je n’aime pas le désordre », dit Katz. « Je n’aime pas peindre sur mes vêtements, mes mains ou mes meubles. »

Une série de toiles gigantesques fraîchement peintes sont disposées autour de l’atelier, chacune étant une frise de têtes énormes, certaines d’hommes, d’autres de femmes. Les œuvres rappellent ce que l’artiste faisait il y a plusieurs décennies, notamment dans une série de peintures murales de Times Square qu’il a réalisées en 1977. « J’ai travaillé pour réaliser ce genre de peinture ‘artificiellement réaliste' », dit-il à propos de la dernière efforts. « Je veux faire quelque chose de plus grand qu’une peinture descriptive. »

Pour réaliser l’une de ses grandes œuvres, Katz peint un petit croquis à l’huile d’un sujet sur une planche de masonite ; la séance pourrait durer une heure et demie. Il réalise ensuite un petit dessin détaillé au crayon ou au fusain, le sujet revenant peut-être pour que l’artiste y apporte des corrections. Katz fait ensuite exploser le dessin pour en faire un « dessin animé », parfois à l’aide d’un rétroprojecteur, et le transfère sur une énorme toile via le « bond » – une technique utilisée par les artistes de la Renaissance, impliquant un pigment en poudre poussé à travers de minuscules perforations percées dans le dessin animé pour recréer. la composition sur la surface à peindre. Katz pré-mélange toutes ses couleurs et prépare ses pinceaux. Ensuite, il plonge et peint la toile – 12 pieds de large sur 7 pieds de haut ou même plus – au cours d’une séance épique de six ou sept heures. « Tout se fait mouillé sur mouillé », explique-t-il. Les peintures se mélangent et deviennent lumineuses.

De loin ou en reproduction, les images de Katz semblent hyper fluides, mais de près, vous remarquez les coups de pinceau et les petits morceaux de couleur d’accent qui attirent le regard. Mais plus que la technique picturale ou l’image représentée, son travail est une question de style. « Je préférerais que le style soit le contenu, le style plutôt que la forme », dit-il. « Le style est ce qui rassemble toutes les parties disparates. »

La femme de Katz, Ada, entre dans son studio et lui propose du café. On pourrait pardonner à un visiteur de présumer l’avoir déjà rencontrée, tant elle est familière en tant que muse et modèle de Katz au cours de leurs 51 ans de mariage. Les longs cheveux qui effleurent ses épaules sont gris maintenant, mais les yeux sombres et expressifs de son visage serein sont les mêmes que ceux qui regardent sous un chapeau en Manteau rouge (1982), sous un parapluie dans Le parapluie bleu (1972) et des six Adas portant la même gaine glamour dans l’une de ses œuvres les plus populaires, La robe noire (1960). Son mari dit qu’elle est une version américaine de la célèbre mannequin et maîtresse de Picasso, Dora Maar. Mais Katz s’empresse d’ajouter : « Quand j’ai vu des photos de Dora Maar, j’ai dit : ‘Picasso l’a trompée au cou et aux épaules !’ Ada a un cou et des épaules bien meilleurs. »

Le discours de Katz porte encore les traces de son enfance dans le Queens, à New York. Fils d’un émigré qui avait perdu une usine qu’il possédait en Russie à cause de la révolution soviétique, Katz « s’est tourné vers les beaux-arts », dit-il. Il étudiait l’art commercial dans un lycée professionnel local lorsqu’il commença à dessiner à partir de moulages de sculptures antiques et fut admis à la Cooper Union School of Art de Manhattan. Il a rencontré Ada, qui avait étudié la biologie à l’Université de New York, lors de l’ouverture d’une galerie en 1957. « Elle est d’une grande beauté », dit-il. « Les gestes sont parfaits. Elle est comme une actrice dans un sens. C’est aussi une Italienne très pointue du Bronx, il n’y a rien de mieux. » (Le couple a un fils, Vincent Katz, 49 ans, poète et critique d’art.) La vie sociale d’Ada dans les années 50 et 60 tournait autour des poètes – Frank O’Hara, John Ashbery, Kenneth Koch – autant que des peintres. « Ils faisaient face à des expériences quotidiennes, d’une manière plutôt sophistiquée », se souvient Katz. (Dans le portrait de Katz de 1967, Koch a l’air légèrement inquiet derrière une grosse paire de lunettes à monture d’écaille.)

Katz est peut-être surtout connu pour ses portraits, mais il s’est également consacré aux paysages, des œuvres audacieuses précisément parce qu’elles manquent de personnages et « jettent les bouées de sauvetage » de l’intérêt humain, a noté le critique David Cohen. « Ils travaillent selon les propres termes picturaux de Katz ou pas du tout. » Beaucoup sont des évocations du Maine, où il va peindre chaque été depuis 60 ans et où il possède une maison et un atelier au bord d’un petit lac.

« C’est en quelque sorte une vanité », dit Katz. « C’est comme si l’on pouvait peindre la même rivière deux fois différemment. Je peins souvent au même endroit. C’est comme peindre Ada encore et encore, pour voir si vous pouvez tirer quelque chose d’autre du même sujet. »

Le Colby College Museum of Art, à Waterville, dans le Maine, a consacré une aile de 10 000 pieds carrés aux œuvres de Katz, dont il a fait don pour la majorité. En outre, il a acheté de nombreuses pièces pour le musée d’artistes tels que Jennifer Bartlett, Chuck Close, Francesco Clemente, Elizabeth Murray et, plus récemment, Marsden Hartley (originaire du Maine). Il y a cinq ans, il a organisé une exposition à Colby de jeunes stars de l’art comme Elizabeth Peyton, Peter Doig et Merlin James, qui travaillent dans le même territoire figuratif jalonné par Katz.

L’intemporalité de Katz est durement gagnée. C’est un super sportif, qui court et fait « des tonnes » de pompes et de redressements assis lorsqu’il est chez lui à New York ; Dans le Maine, il s’entraîne, dit-il, jusqu’à quatre heures par jour – en courant, en faisant du vélo et en nageant. Jusqu’où peut-il courir ? « Autant que je veux. Je peux surpasser physiquement beaucoup de jeunes de 21 ans », dit-il.

Il dit qu’il rivalise également avec des artistes de la moitié de son âge « pour le public », mais avec un armement limité. « Mon sujet n’est pas particulièrement intéressant », dit-il en souriant. « Ce n’est pas un sujet brûlant : vous savez, pas de crucifixion, pas de violence, pas de sexe. » Ses outils sont la couleur et la lumière, ainsi que sa propre vision épurée du monde. « J’essaie de créer une peinture qui semble simple », dit-il, et cite le portrait d’une infante des Habsbourg par Velázquez dans une exposition itinérante au Metropolitan Museum alors qu’il avait la vingtaine : « Ce n’était rien, si simple ! Quelque chose Cela pourrait être si simple et tellement. Juste un fond vert, une petite fille, tout était parfait. Il n’y a pas d’histoire. C’est immédiat. Il a peint directement. Il l’a vu, il l’a peint.

Une peinture de Katz, malgré toute sa fraîcheur, projette des sentiments. « Les images sont censées être lyriques, elles sont censées vous donner le dessus », dit-il. « Je veux faire quelque chose qui ressemble un peu à votre condition plus heureuse. Les images impressionnistes sont essentiellement cela : la peinture impressionniste est un mensonge heureux. »

Les mensonges heureux de Katz sont ces beaux visages intemporels à la peau parfaite, ou les arbres d’un été du Maine, toujours feuillus et verts.

Pourtant, parfois, même l’élégante Ada peut paraître grave, au bord des larmes. Et les paysages peuvent être sombres, notamment ses « nocturnes » ou scènes de nuit obsédantes, avec leurs couches d’obscurité nuancées bien plus maussades que tant de portraits nets et colorés. Dans la récente série de couchers de soleil, par exemple, Katz capture essentiellement le temps qui passe. Il a été difficile de réaliser les croquis à l’huile, rapporte-t-il : seulement 15 minutes environ sur un porche du Maine avant la tombée du crépuscule. Dans ces grands tableaux vus ensemble, le temps passe vite et le ciel devient d’un orange impossible, se reflétant dans le lac. Puis, dans le tableau suivant, le lac est devenu mort, gris. Ces images, avec des arbres noirs au premier plan, sont élégiaques : leur sujet est les dernières minutes du jour auxquelles personne ne peut s’accrocher.

Heureusement, il y a une consolation, voire ce que Katz appelle une sorte d’éternité, dans l’art lui-même. « C’est la différence entre un tableau et un coucher de soleil », dit-il. « Le tableau restera avec vous, mais le coucher de soleil disparaît. » Katz reste donc concentré sur le moment présent, peignant comme s’il n’y avait pas de lendemain.

Écrivain Catherine McGuigan vit à New York.
Photographe Stéphanie Sinclair est également basé à New York.

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