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MaxiLa série de courts métrages « nouveauté musicale » a également connu un succès critique et populaire
Remercions une marque de contenu éducatif sud-coréenne pour avoir produit, sinon la version définitive, certainement la version la plus écoutée du ver d’oreille « Baby Shark », la chanson pour enfants qui se fraye un chemin tout au long de sa deuxième semaine sur le Billboard Hot 100 Chart.
Vous avez peut-être rencontré une variante antérieure de la chanson – et les mouvements de danse qui l’accompagnent – lors d’un camp d’été (ou, comme cet écrivain, inexplicablement lors d’un cours de collège sur la vie marine). Il y a un peu plus de dix ans, en 2007, « Baby Shark » a dévoilé son véritable potentiel lorsqu’une vidéo de la chanson est devenue virale en Allemagne.
Cela s’est avéré être de petites pommes de terre par rapport au remix de Pinkfong. La marque à l’origine de cette sensation a produit des dizaines de milliers de vidéos pour enfants, dont de multiples variantes de « Baby Shark ». L’une de ces versions est devenue une supernova après sa publication sur YouTube en 2016. Dans celle-ci, la société basée à Séoul a placé un rythme K-pop sous la voix et a pincé deux enfants aux joues de chérubin pour qu’ils fassent les mouvements des mains des paroles de la vidéo. , qui présente également des animations de créatures marines de couleur bonbon, résolument hétéronormatives, et du renard magenta de Pinkfong, équipé d’un équipement de plongée avec tuba pour l’occasion.
La vidéo fait depuis lors l’objet d’un cycle de régurgitation très 21e siècle. Avec 2,1 milliards de vues à son actif, à ce stade, ses débuts dans le classement Billboard – grâce à la décision de Billboard d’incorporer les données YouTube dans son mystérieux algorithme de sélection de musique en 2013 – ressemblent plus à une formalité qu’autre chose.
Si vous n’avez pas entendu la chanson que le New York Times décrit comme « aussi contagieux que l’anthrax », il est vaguement centré sur trois générations de requins affamés (Doo Doo Doo Doo Doo Doo). C’est à peu près tout. Dans certaines versions, les requins vous mangent. Dans la version Pinkfong, les adorables enfants s’en sortent sains et saufs, et c’est « la fin (Doo Doo Doo Doo Doo Doo)/la fin (Doo Doo Doo Doo Doo Doo) ».
À l’époque où la folie des « bébés requins » de Pinkfong poussait les Ellen Degenereses et James Cordens du monde entier à nous soumettre au #babysharkchallenge, Bob Cunningham, éducateur et conseiller principal du consortium à but non lucratif Understood.org, a tenté de cerner exactement ce qui a fait que le Chanson de Pinkfong donc très écoutable. La formule qu’il décrit à l’Associated Press – un « rythme accrocheur », des « sons idiots » et une « animation colorée et mignonne » – n’est pas sans rappeler ce qui a donné naissance à la première itération des succès pour enfants.
La musique pour enfants fait partie de l’industrie musicale depuis le début. « Depuis qu’il existe une entreprise de musique, il existe une entreprise de musique pour enfants », explique Simon Frith, professeur de musique, dans son recueil d’essais. Prendre la musique pop au sérieux. À peine 11 ans après que Thomas Edison ait lancé le phonographe en 1877, un employé inconnu de la société Edison a enregistré « Twinkle, Twinkle Little Star » pour l’éphémère entreprise de poupées parlantes de la société. Lorsque cet enregistrement a été retrouvé dans le bureau d’un assistant du Dans les années 1960, la comptine a valu à la comptine la distinction d’être le premier enregistrement pour enfants connu, le premier enregistrement commercial connu et peut-être même « le premier enregistrement réalisé par quelqu’un qui a été payé pour jouer pour un enregistrement sonore », selon la Bibliothèque du Congrès.
Le phonographe d’Edison a indéniablement changé la donne pour l’industrie musicale. Soudain, la musique est devenue portable, abordable et reproductible, écrit Mark Katz, spécialiste de la musique et de la technologie dans la revue American Music. Les professeurs de musique, quant à eux, pensaient que le phonographe éloignerait les jeunes Américains « des tentations de la musique populaire » en les exposant à ce qu’ils considéraient comme de la « bonne » musique. « Si les enfants apprécient la « Trdumerei » de Schumann, la « Sérénade » de Schubert et le « Chœur des pèlerins » de (Wagner) Tannhauser« , affirmait un professeur de musique en 1911, « ils ne se soucient pas d’entendre du ragtime et de la musique de rue bon marché ».
Cela… ne s’est pas avéré être tout à fait le cas. « Baby Shark » se situe dans la peau des Silly Symphonies de Walt Disney, qui ont également associé la musique à l’animation avec un grand succès en utilisant, attendez-le, des rythmes accrocheurs, des sons idiots, colorés (quand la technologie le permettait) et parfois mignons, toujours à l’oeil. capture, animation.
Contrairement à « Baby Shark », cette série de courts métrages de « nouveauté musicale » sortie de 1929 à 1939 a connu un succès critique en plus du succès populaire (sept des courts métrages ont remporté l’Oscar du meilleur court métrage d’animation). Les Sillies y sont parvenus en mariant une animation intelligente avec une gamme de musique « englobant des mélodies classiques, des airs folkloriques traditionnels, des thèmes d’opéra et des chansons populaires », explique le spécialiste du cinéma JB Kaufman dans Magazine du monde de l’animationun genre qui a donné naissance à de nombreux imitateurs, notamment les œuvres de ses rivaux de Warner Bros.
Les Silly Symphonies sont arrivées juste au bon moment. Dans les années 1920 et 1930, les compositeurs et graphistes exploraient les frontières de l’animation. « Ce que partageaient tous ces expérimentateurs était un intérêt commun, voire une fascination pour » la recherche du « rythme » entre la vue et le son à l’écran, écrit le spécialiste de la musique Jon Newsom dans le Quarterly Journal de la Bibliothèque du Congrès.
Cet équilibre était si important au siège de Disney que la synchronisation rigoureuse de la musique et des mouvements animés du studio a commencé à être qualifiée au sein de l’industrie de « mickey mouse ».
L’organiste de théâtre et chef d’orchestre Carl W. Stalling a joué un rôle important dans la création de ce projet, en concevant un moyen permettant à ses musiciens d’entendre ce qui se passait dans une séquence animée grâce à une ingénieuse « piste de clic ». C’est également Stalling qui a convaincu Disney de le laisser composer la musique des Sillys avant qu’ils ne soient animés, à commencer par la toute première mini-musicale, « The Skeleton Dance » (1929).
Un habitué de la liste des meilleurs courts métrages d’animation de tous les temps, le premier Silly présentait une nuit effrayante pleine de hiboux, de chats noirs et de pleines lunes. Le dessin animé a également été réalisé autour de la partition de Stalling, dont Disney a convenu qu’elle « aurait la priorité », écrit Tighe E. Zimmers, chercheur sur les compositeurs de chansons populaires.
L’alchimie de la musique inspirant l’animation était révolutionnaire. Un peu comme la chanson « Baby Shark » de Pinkfong, qui tire ses premières mesures du Mâchoires thème et s’inspire de l’inspiration de la danse K-pop, Stalling a utilisé la musique qu’il pensait convenir à son travail.
Il «s’appuierait sur sa formation, fouillant toute la littérature de la musique classique et populaire pour tisser un courant sous-jacent suggestif à l’action à l’écran», écrit Tebbel, ce qu’il a fait le plus célèbre au cours de sa carrière ultérieure en marquant les courts métrages Merrie Melodies produits par Warner Bros. , mais également employé dans les Sillies, qui comprenaient un riche lexique musical d’extraits allant de « Moonlight Sonata » à « Row, Row, Row Your Boat ». (Cartoonresearch.com a la liste exhaustive des sons qui apparaissent dans les Sillies, et c’est impressionnant.)
Le véritable moment de « devenir viral » pour Sillies est survenu avec la première de « The Three Little Pigs » au Radio City Music Hall de New York le 27 mai 1933.
« Il a reçu un accueil public sensationnel lorsqu’il a été projeté dans les cinémas du quartier, devenant ainsi le court métrage d’animation le plus phénoménal de son époque », écrit Devon Baxter, chercheur en dessins animés classiques.
Disney avait imaginé le dessin animé comme une opérette légère et humoristique, explique Baxter, et le dialogue était chanté en rythme par les cochons anthropomorphisés, qui bougent et se balancent de manière hypnotique alors qu’ils travaillent contre leur fleuret, le grand méchant loup. Le dessin animé joyeux est extrêmement regardable, et pour les Américains qui ont traversé la Grande Dépression, son ton joyeux était exactement ce dont les enfants – et les adultes – avaient besoin.
L’auteur-compositeur Ann Ronell de Tin Pan Alley, avec qui Disney avait déjà collaboré, a travaillé avec le compositeur Frank Churchill sur « Who’s Afraid of the Big Bad Wolf » (qui a fait quoi pour la chanson reste en débat), et leur résultat a été reconstitué. tout au long du dessin animé.
Sol Bourne, directeur général d’Irving Berlin Music, Inc., a cru avoir eu un énorme succès lorsqu’il a entendu la chanson à l’écran. « Bourne savait qu’une chanson individuelle, liée à un film ou à un dessin animé, créait une synergie et aidait à vendre les deux entités », écrit Zimmers. Ensuite, Irving Berlin Music a négocié pour obtenir les droits musicaux de Disney Studio.
Le partenariat était sans précédent. Dans une correspondance de 1963 citée dans la biographie de Zimmers sur Ronell, l’auteur-compositeur expliquait que « la musique de fond de dessin animé n’était pas prise au sérieux à cette époque et qu’aucune chanson n’avait jamais été publiée auparavant dans l’industrie du film de dessin animé ». Mais Bourne avait raison ; un public attendait.
Comme « Baby Shark » passant de YouTube à un premier palmarès, « Qui a peur du grand méchant loup ? » a fait une déclaration définitive à elle seule. TEMPS Le magazine a déclaré qu’il s’agissait de l’une des « chansons les plus entraînantes » de l’année, et plus de 201 000 exemplaires de partitions correspondant à cette chanson ont été vendus au cours de la seule seconde moitié de 1933.
Avant même le début de 1934, Kaufman et Russell Merritt, spécialiste du cinéma et des médias, écrivent dans leur livre compagnon Silly Symphonies : « la chanson avait été largement enregistrée et avait établi un nouveau précédent en introduisant le studio Disney dans le monde de la musique populaire » et… qui sait – peut-être même a-t-il jeté le copain à l’eau pour ce qui se cachait au fond, une famille de requins accrocheurs (Doo Doo Doo Doo Doo Doo).
