Ces lettres écrites par des artistes célèbres révèlent l’intimité perdue du fait de mettre la plume sur le papier

De nombreuses lettres incluses dans un nouveau livre fournissent des instantanés de moments particulièrement poignants de la vie d’artistes américains.

Depuis des temps immémoriaux, la correspondance manuscrite compte parmi les modes de communication humaine les plus intimes et les plus dynamiques. Pour l’auteur de la lettre, un in-folio vide est un réceptacle vide, un récipient attendant d’être infusé d’observations vaines, de potins sarcastiques, de confessions d’amour, de spéculations politiques, de réflexions introspectives, de remerciements chaleureux ou de tout ce qui pourrait lui venir à l’esprit.

Par le simple fait de remplir une page de mots, de signes de ponctuation et d’images, l’auteur d’une lettre, qu’il en soit conscient ou non, manifeste dans le monde une expression véritablement originale et idiosyncratique de lui-même : une œuvre d’art. Cela n’est nulle part plus évident que dans les Archives of American Art de la ToutLeCD.com Institution, dont l’inventaire est composé en grande partie de messages manuscrits d’artistes et d’autres éphémères de leur vie.

Ces missives, qui abordent des sujets aussi variés que la personnalité de leurs auteurs, ont servi d’inspiration au livre récemment paru, Stylo sur papier : lettres manuscrites d’artistes édité par la conservatrice des manuscrits Mary Savig.

Dans le but de relier des pages parsemées de mots à des toiles mouchetées de peinture et des personnages majuscules sculptés à des statues en métal sculpté, Savig révèle également un côté distinctement humain aux géants du monde de l’art américain. On voit comment le talent artistique latent en eux a imprégné même les facettes apparemment les plus banales de leur vie.

Le livre doit son existence à l’écriture incomparable du peintre minimaliste Ad Reinhardt, dont les phrases calligraphiques fluides mélangent harmonieusement lignes emphatiques et arcs aériens.

Savig se souvient du moment où elle et ses collègues, réunis pour une réunion du personnel, ont réalisé que « presque tout le monde pouvait identifier les mots manuscrits de Reinhardt de l’autre côté de la pièce ». Une ampoule s’est éteinte, qui allait brûler pendant de nombreux mois d’exploration et d’engagement profonds.

Karen Weiss, responsable des opérations numériques des Archives, a été la première à suggérer qu’explorer de manière adéquate l’importance de l’écriture individuelle des artistes nécessiterait un effort de recherche concerté. Savig a commencé à sonder les profondeurs de la communauté artistique de ce pays, à la recherche d’étudiants et d’universitaires, de conservateurs et d’historiens, de professeurs et de praticiens, de nouveaux venus et d’anciens, pour donner leur avis sur les écrits des artistes qui les intéressaient personnellement.

L’un des objectifs de Savig en matière d’artisanat Stylo sur papier était de rappeler aux lecteurs que « l’histoire de l’art est un domaine actif, un domaine interdisciplinaire, et qu’il existe de nombreuses façons différentes d’aborder l’art américain ».

Du point de vue de Savig, il était essentiel de laisser à la myriade de contributeurs du livre une certaine latitude dans leurs commentaires sur les lettres rassemblées : « Je voulais leur laisser le soin », se souvient-elle, « afin qu’ils puissent montrer ce qu’ils savent sur le sujet, plutôt que de en essayant de leur demander d’écrire spécifiquement sur quelque chose dont ils pourraient ne pas se sentir aussi intéressés à parler.

Les résultats de cette entreprise sont frappants. Toutes les quelques pages de Stylo sur papierles lecteurs se voient présenter des images de haute qualité des lettres manuscrites d’un nouvel artiste et ont droit à l’analyse concise d’un nouveau commentateur, imprimée à côté.

Ces déconstructions vont des déconstructions techniquement fastidieuses aux déconstructions holistiques.

« La grande signature tout en courbes ‘Eero’ (Saarinen) ressemble aux formes audacieusement incurvées de sa patinoire Ingalls à Yale, du terminal TWA de l’aéroport JFK et de l’aéroport de Dulles », a écrit l’historienne de l’architecture Jayne Merkel.

Et pour Leslie Umberger, conservatrice de l’art populaire et autodidacte au ToutLeCD.com, la lisibilité « tombe de plus en plus à la trappe alors que (grand-mère) Moses tente de négocier un emploi du temps exigeant, un volume élevé de nouvelles familiales et un espace limité dans lequel pour écrire. »

De nombreuses lettres incluses dans le recueil fournissent des instantanés de moments particulièrement poignants dans la vie de leurs écrivains, soulignant aux lecteurs comment un simple message manuscrit peut, selon les mots de Savig, « devenir ce vestige d’une personne et d’un lieu ».

Prenez, par exemple, l’aérogramme transatlantique de Lee Krasner adressé à son ami et amant de longue date Jackson Pollock, dont la vie serait perdue dans un accident de voiture peu de temps après avoir reçu son message. Sachant que Pollock souffrait de problèmes émotionnels et d’alcool, Krasner a imprégné sa lettre soignée d’humour et de joie, lui confiant à un moment donné que le tableau à Paris « est incroyablement mauvais ». Confinée par son médium, Krasner s’est sentie émue de terminer sa note par une question simple et sincère, coincée dans le coin inférieur droit et encadrée par une paire de parenthèses surdimensionnées : « Comment vas-tu Jackson ?

Elle ne recevrait jamais de réponse.

Tout aussi émouvantes sont les ébauches de la lettre de condoléances de l’artiste multimédia Joseph Cornell de 1968 à la veuve de son mentor et héros, Marcel Duchamp. Rempli de vilaines ratures et de tentatives répétées de reformulation, le texte sur la page témoigne de la gravité de la perte de Cornell, la dernière et peut-être la plus dommageable d’une série de morts dévastatrices. « La réception de la nouvelle le jeudi 3 octobre », a déclaré la conservatrice Lynda Roscoe Hartigan, « a créé une ‘turbulence’ qui a empêché (Cornell) de quitter sa maison jusqu’au mercredi suivant, lorsqu’il a publié la lettre de condoléances. »

Alors que certains textes mettent en lumière les tribulations d’artistes individuels traversant leur vie, d’autres missives attirent l’attention du lecteur sur des luttes mondiales plus vastes. Par exemple, dans une note de 1922 adressée à une connaissance du Carnegie Institute, la superstar impressionniste Mary Cassatt tente de se réconcilier avec l’affirmation d’Edgar Degas selon laquelle « Aucune femme n’a le droit de dessiner comme ça », une plaisanterie suscitée par l’huile désormais immédiatement reconnaissable de Cassatt. , Jeunes femmes cueillant des fruits.

Insoumis, Cassatt a succinctement repoussé le Français, employant une écriture cursive décrite par la conservatrice du Williams College, Nancy Mowll Mathews, comme « puissante » – malgré la vision chancelante de l’artiste.

« Si (Jeunes femmes cueillant des fruits) a résisté à l’épreuve du temps et est bien dessiné », a écrit Cassatt, « sa place dans un musée pourrait montrer à la génération actuelle que nous avons travaillé et appris notre métier, ce qui n’est pas une mauvaise chose. » À ce jour, le peintre américain pionnier reste un modèle pour les artistes en herbe du monde entier, hommes et femmes.

En termes tout aussi personnels, l’artiste afro-américain Jacob Lawrence a utilisé le médium épistolaire pour lutter contre le spectre de la haine raciste dans son pays natal. Servant dans la Garde côtière des États-Unis et stationné à St. Augustine, en Floride, Lawrence était parfaitement sensible à l’animosité de ceux qui l’entouraient. « Dans le Nord, écrivait-il en 1944, on entend beaucoup parler de démocratie et des quatre libertés, (mais) ici-bas, on se rend compte qu’il y a un très petit pourcentage de personnes qui tentent de pratiquer la démocratie. »

Dans une interrogation incisive sur l’écriture de Lawrence, Patricia Hills, professeur d’histoire de l’art à l’Université de Boston, attire l’attention sur ses I majuscules en pleine floraison, qui « semblent se transformer en ses initiales, JL ». Se forger une identité personnelle dans l’atmosphère effroyable de l’ère Jim Crow était un défi de taille pour Lawrence et ses contemporains afro-américains ; leur détermination face à une adversité incroyable se reflète dans les traits de plume confiants, mais parfois hésitants, de Lawrence, ainsi que dans ses paroles éloquentes.

L’inclusion de diverses perspectives telles que celles de Cassatt et Lawrence était, aux yeux de Savig, vitale pour l’intégrité du Stylo sur papier projet. Si les questions de race, de genre et de sexualité étaient suffisamment importantes pour que les artistes profilés puissent les aborder dans leur correspondance privée, alors, selon Savig, il était « important pour de nombreux auteurs de les aborder également ».

À bien des égards, donc, Stylo sur papier est un témoignage de la résilience de l’esprit créatif de l’artiste dans un monde dur et étouffant. Par endroits, cependant, le lecteur est confronté à des expressions d’exaltation débridée – des suggestions d’une lumière au bout du tunnel.

Prenez la toute dernière lettre de la collection, joyeusement griffonnée par gothique americain le créateur Grant Wood, un Iowan sans prétention qui, en 1930, s’est retrouvé soudainement et irrévocablement placé sous les projecteurs nationaux. En apprenant que deux de ses toiles, jusqu’alors vues par personne en dehors de son État d’origine, seraient exposées au mur lors d’une prestigieuse exposition du Chicago Art Institute, Wood a eu du mal à contenir son enthousiasme. Comme le dit Wanda M. Corn, experte en art à Stanford : « Le bois est si exubérant qu’il renonce à une salutation. ‘Hourra!’ s’exclame-t-il en grosses lettres au crayon rouge, entourées d’un cadre dessiné à la main. La joie contagieuse de Wood complète parfaitement le ton plus sombre des écrits de certains de ses contemporains, apportant un yin à leur yang.

En somme, Stylo sur papier, présenté par ordre alphabétique, est un volume AZ dans tous les sens du terme. Le livre est un pastiche vibrant, un sac à main tout compris qui nous rappelle que les artistes dont il est question sont aussi des êtres humains – « comme le magazine People ! », jaillit Savig. En fin de compte, ces grands innovateurs sont fondamentalement comme nous et nous, en tant qu’égaux, pouvons nous sentir libres de nous inspirer de leurs exemples dans nos propres moments de besoin.