Un conservateur du Hirshhorn Museum explique comment les historiens de l’art définissent les deux classifications

Toutes les tendances se précisent avec le temps. En regardant l’art, même 15 ans plus tard, « vous pouvez voir les motifs un peu mieux », explique Melissa Ho, conservatrice adjointe au musée Hirshhorn. « Il existe des tendances plus larges et plus profondes liées à la façon dont nous vivons dans le monde et à la manière dont nous le vivons. »

Alors, qu’est-ce que l’art moderne exactement ? La question, dit-elle, est moins susceptible de réponse que discutable sans fin.

Techniquement, dit Ho, l’art moderne est « l’expression culturelle du moment historique de la modernité ». Mais la façon de comprendre cette affirmation est controversée. Une façon de définir l’art moderne, ou quoi que ce soit en réalité, est de décrire ce qu’il n’est pas. La peinture et la sculpture académiques traditionnelles ont dominé les XVIIe, XVIIIe et XIXe siècles. «Il s’agissait d’une technique parfaite et transparente et de l’utilisation de cette technique parfaite et transparente pour exécuter un sujet très bien établi», explique Ho. Il existait une hiérarchie des genres, des peintures d’histoire aux portraits en passant par les natures mortes et les paysages, et des notions de beauté très strictes. « Une partie du triomphe du modernisme réside dans le renversement des valeurs académiques », dit-elle.

Contrairement à l’art académique traditionnel, l’art moderne est une question d’expression personnelle. Même si cela n’a pas toujours été le cas historiquement, explique Ho, « il semble maintenant presque naturel que la façon dont vous considérez les œuvres d’art soit l’expression d’une vision individuelle ». Le modernisme couvre une grande variété d’artistes et de types d’art. Mais les valeurs derrière les pièces sont sensiblement les mêmes. « Avec l’art moderne, l’accent est mis sur la valeur de l’originalité et de l’innovation », explique Ho.

Edouard Manet et les impressionnistes étaient considérés comme modernes, en partie parce qu’ils représentaient des scènes de la vie moderne. La révolution industrielle a amené des masses de personnes vers les villes et de nouvelles formes de loisirs ont surgi dans la vie urbaine. Dans les galeries du Hirshhorn, Ho souligne l’œuvre de Thomas Hart Benton Les habitants de Chilmarkune peinture représentant une masse d’hommes et de femmes enchevêtrés, qui rappelle légèrement un Michel-Ange classique ou le célèbre tableau de Théodore Géricault Radeau de la Médusesauf qu’il s’agit d’une scène de plage contemporaine, inspirée de la ville du Massachusetts où Benton passait l’été. Sièges au bord du ringune peinture représentant un match de boxe de George Bellows, est accrochée à proximité, tout comme trois peintures d’Edward Hopper, dont une intitulée Orchestre du premier rang des spectateurs attendant que les rideaux soient tirés.

Dans l’art de la Renaissance, une grande importance était accordée à l’imitation de la nature. « Ensuite, une fois cela réduit, l’abstraction peut s’épanouir », explique Ho. Des œuvres comme celles de Benton et de Hopper sont une combinaison d’observation et d’invention. Au début des années 1900, les cubistes ont commencé à jouer avec l’espace et la forme d’une manière qui a déformé la vision picturale traditionnelle.

Les historiens de l’art utilisent souvent le mot « autonome » pour décrire l’art moderne. « La langue vernaculaire serait « l’art pour l’art » », explique Ho. « Il n’est pas nécessaire qu’il existe pour une quelconque valeur utilitaire autre que sa propre raison existentielle d’être. » Ainsi, évaluer l’art moderne est une tout autre affaire. Plutôt que de s’interroger, comme on pourrait le faire avec une peinture d’histoire, sur le récit : qui est le personnage principal ? Et qu’est-ce que l’action ? – évaluer un tableau, par exemple de Piet Mondrian, devient davantage une question de composition. « Il s’agit de la tension de la composition », dit Ho, « de l’équilibre formel entre la couleur, la ligne et le volume d’une part, mais aussi de son extrême pureté et de sa rigueur. »

Selon Ho, certains disent que le modernisme atteint son apogée avec l’expressionnisme abstrait en Amérique pendant la Seconde Guerre mondiale. Chaque artiste du mouvement s’efforce d’exprimer son génie et son style, notamment par le toucher. « Donc, vous obtenez Jackson Pollock avec sa peinture qui coule et qui projette », explique Ho. « Vous obtenez Mark Rothko avec ses champs de couleurs très lumineux et finement peints. » Et contrairement au pinceau invisible des peintures académiques fortement vitrées, les traits des peintures de Willem de Kooning sont lâches et parfois épais. « On peut vraiment sentir comment cela a été fait », explique Ho.

Cependant, peu après la Seconde Guerre mondiale, les idées qui animent l’art ont de nouveau commencé à changer. Le postmodernisme s’éloigne de l’accent moderne mis sur l’originalité et l’œuvre est délibérément impersonnelle. « De nombreux travaux font appel à des moyens mécaniques ou quasi-mécaniques ou à des moyens déqualifiés », explique Ho. Andy Warhol, par exemple, utilise la sérigraphie, supprimant essentiellement sa touche directe, et choisit des sujets qui s’inspirent de l’idée de production de masse. Alors que des artistes modernes tels que Mark Rothko et Barnett Newman ont fait des choix de couleurs destinés à créer un lien émotionnel avec le spectateur, des artistes postmodernes comme Robert Rauschenberg introduisent le hasard dans le processus. Rauschenburg, dit Ho, était connu pour acheter de la peinture dans des pots non marqués à la quincaillerie.

« Le postmodernisme est associé à la déconstruction de l’idée : « Je suis le génie artistique et vous avez besoin de moi » », explique Ho. Des artistes tels que Sol LeWitt et Lawrence Weiner, avec des œuvres au Hirshhorn, se dérobent encore plus à la paternité. L’œuvre de Weiner intitulée « UNE BALLE DE CAOUTCHOUC LANCÉE SUR LA MER », Cat. Le numéro 146 », par exemple, est affiché au musée en grandes lettres bleues sans empattement. Mais Weiner était ouvert à ce que les sept mots soient reproduits dans n’importe quelle couleur, taille ou police. « Nous aurions pu prendre un marqueur et l’écrire sur le mur », explique Ho. En d’autres termes, Weiner considérait que son rôle d’artiste concernait davantage la conception que la production. De même, certains des dessins de LeWitt de la fin des années 1960 sont essentiellement des dessins réalisés selon des instructions. Il donne des instructions mais n’importe qui, en théorie, peut les exécuter. « Dans cette génération d’après-guerre, il y a cette tendance, d’une certaine manière, à démocratiser l’art », explique Ho. « Comme le dessin de Sol LeWitt, c’est cette opinion que n’importe qui peut faire de l’art. »

Les étiquettes comme « moderne » et « postmoderne » et la tentative d’identifier les dates de début et de fin de chaque période irritent parfois les historiens de l’art et les conservateurs. «J’ai entendu toutes sortes de théories», déclare Ho. « Je pense que la vérité est que la modernité n’est pas arrivée à une date précise. C’est cette transformation progressive qui s’est produite sur quelques centaines d’années. Bien entendu, les deux moments où, pour des raisons pratiques, des dates doivent être fixées sont l’enseignement des cours d’histoire de l’art et l’organisation des musées. D’après l’expérience de Ho, l’art moderne commence généralement vers les années 1860, tandis que la période postmoderne prend racine à la fin des années 1950.

Le terme « contemporain » n’est pas attaché à une période historique, comme le sont moderne et postmoderne, mais décrit simplement l’art « de notre moment ». À ce stade, cependant, les œuvres datant d’environ 1970 sont souvent considérées comme contemporaines. Le problème inévitable est que cela donne lieu à un corpus d’œuvres contemporaines en constante expansion dont les professeurs et les conservateurs sont responsables. « Il suffit de garder un œil sur l’évolution des choses », conseille Ho. « Je pense qu’ils vont être redéfinis. »

4/5 - (12 votes)