Les résultats fascinants lorsqu’un musée demande à un artiste de dessiner sur ses murs

Linn Meyers a entrepris la tâche monumentale de créer une œuvre d’art de 400 pieds de long au Hirshhorn

Quand les gens disent que quelqu’un « vit » vraiment son art, ils peuvent vouloir dire qu’elle prend son travail très au sérieux. Mais pendant près de trois mois, la vie de Linn Meyers se résume réellement à son art – elle ne fait pratiquement rien d’autre. Elle passait jusqu’à 11 heures par jour dans le deuxième étage circulaire du musée Hirshhorn du ToutLeCD.com, dessinant sur les murs. Ce qui peut ressembler à un jeu d’enfant, mais ce n’est certainement pas le cas.

Meyers a utilisé une combinaison de précision extrême et de chance totale pour créer Notre point de vue d’ici, un dessin surdimensionné qui fascine ses spectateurs. Son travail, qui occupe 400 pieds linéaires d’espace mural du musée, est exposé jusqu’au 14 mai 2017 et fait partie d’un effort récent visant à utiliser de nouveaux espaces au sein du Hirshhorn.

Le musée était ouvert une bonne partie du temps où elle travaillait sur l’œuvre, et les visiteurs fascinés restaient bouche bée alors qu’elle appliquait son outil choisi – une sorte de marqueur épais préféré des graffeurs – sur les murs, qui étaient peints en deux couleurs neutres. tons. Même si elle s’en tient à une seule couleur, l’effet est tout sauf monotone. Les lignes sinueuses forment des vagues et des motifs qui se déploient le long des murs du musée, semblant presque bouger. Comme le dit le commissaire de l’exposition Stéphane Aquin : « Elle danse avec le bâtiment. Son art se marie à merveille avec l’architecture. Elle révèle le mouvement inhérent au bâtiment.

Meyers, une artiste basée à Washington, DC, crée à la fois des œuvres d’art individuelles dans son studio et des installations spécifiques à un site comme celle du Hirshhorn (d’autres installations ont été exposées au Hammer Museum de Los Angeles et à la Phillips Collection à Washington, DC). Meyers explique que lorsqu’elle crée une œuvre dans un environnement particulier, elle doit naturellement prêter attention au bâtiment, à l’espace qui abritera son œuvre : « L’une des premières questions que je me pose est : « Dans quelle mesure puis-je aborder le bizarreries de l’architecture ? »

La principale « bizarrerie » du Hirshhorn en forme de beignet est que les visiteurs du musée, spectateurs de l’installation de Meyers, suivront la passerelle intérieure circulaire. «L’espace exigeait que je crée une pièce qui s’enroule autour de l’espace, autour du chemin que les visiteurs empruntent à travers le musée», explique-t-elle.

« Et puis il y a des pauses dans tout l’espace : les portes, les entrées des galeries. Dans un espace ou une architecture préexistante, il y a toujours quelque chose qui devient un défi. Je ne dis pas cela de manière négative. Un défi peut provoquer une nouvelle approche de la manière dont une pièce évoluera. Il s’agit donc ici de la manière dont le cercle de la galerie est divisé en huit parties. Et ces ouvertures ne sont pas toujours ouvertes. Parfois, l’espace est modifié pour une exposition et une partie de l’espace est fermée. Ma pièce chevauchera trois spectacles différents, et l’espace changera pour chaque spectacle. Il fallait que j’y réfléchisse. C’est nouveau. Je n’ai jamais eu d’espace de galerie dynamique auparavant.

Le premier pas de Meyers était de créer des dessins préparatoires, réalisés à l’échelle d’un quart de pouce. Ensuite, les employés de Hirshhorn ont utilisé un logiciel de CAO (Conception Assistée par Ordinateur) pour tracer un cadre (les cercles des dessins de Meyers) directement sur les murs du musée. Meyers s’est ensuite mise au travail avec son stylo graffiti de marque Molotow, laissant sa main aller là où elle voulait. C’est là qu’interviennent le hasard et la coïncidence.

« Tous les mouvements que vous voyez dans ces dessins sont simplement le résultat du processus », explique-t-elle. « Ça évolue juste, les lignes ne sont pas planifiées. Mais les compositions sont prévues. C’est un jeu entre le prévu et l’involontaire. La géométrie est tracée au préalable dans mon travail préparatoire. Quand je commençais une section, je traçais un cercle. C’est le plan, l’intention. À partir de ce point, chaque ligne répond à la ligne qui la précède – une sorte d’entropie, indépendante de ma volonté. Donc : à la fois intentionnel et non intentionnel. Une belle métaphore de la vie !

La couleur choisie par Meyers pour ce projet était un bleu-gris appelé gris de Payne. Parce que l’artiste a dilué la couleur à différents degrés, elle a pu obtenir différentes densités de couleur tout au long de l’œuvre.

Lorsque les spectateurs se promènent autour de la rotonde, ils peuvent voir que la ligne du marqueur est parfois si faible qu’elle n’est qu’un murmure, tandis qu’à d’autres moments elle s’épaissit en une tache, et encore ailleurs, il y a un effet marbré. Dans certaines parties de l’installation, une grande partie de l’espace mural n’a pas été exploitée, tandis que d’autres sections sont remplies de lignes ondulantes encombrées.

Meyers s’est rendu compte que les premières sections qu’elle avait réalisées étaient le résultat de toute l’énergie qu’elle avait emmagasinée lors de la réflexion et de la planification du projet : « Les deux premiers murs que j’ai réalisés sont différents des deux derniers murs. Au début, j’avais hâte d’y aller : tous ces mois de préparation et d’anticipation. La marque est plus agressive. J’ai en quelque sorte attaqué les murs ! Mais à la fin, lorsqu’elle laisse davantage de murs vides, elle remarque « une sorte de légèreté ».

En raison des dimensions circulaires de la rotonde, les spectateurs ne peuvent pas voir l’ensemble de l’œuvre d’un seul coup. Ce n’est tout simplement pas possible. Et cela affecte la façon dont ils perçoivent le travail. C’était la même chose pour Meyers. « J’avais cette vision de ce à quoi tout cela ressemblerait, mais ce n’est pas comme en studio où mon œil peut parcourir une pièce d’un côté à l’autre. En atelier, je réalise des œuvres d’art discrètes et vous pouvez vous tenir devant. Avec cela, vous ne pouvez tout simplement pas physiquement. Je pouvais voir la section que j’avais terminée, par exemple, mais pas la section sur laquelle je travaillais. Vous ne pouvez même pas en voir un quart à la fois, debout au même endroit.

Une entreprise aussi gigantesque exigeait une concentration gigantesque. Meyers, qui se rend habituellement quotidiennement à son studio et travaille sur plusieurs pièces à la fois, n’a fait ni l’un ni l’autre.

«C’est la plus longue période pendant laquelle je suis restée loin de mon studio», dit-elle. «Je n’ai rien fait d’autre. C’était bon. Cette façon frénétique dont nous existons dans le temps – depuis les réseaux sociaux jusqu’à se lever, faire les courses et téléphoner – c’est simplement notre façon de vivre. Mais avec cela, se concentrer sur une chose : c’était une chose tellement merveilleuse de voir des progrès chaque jour. Pendant des heures, sans vraiment lever la tête. Alors qu’elle travaillait au musée dans son état hyper concentré, les employés du musée ou le conservateur Stéphane Aquin l’approchaient, essayaient de lui parler, et elle ne les remarquait même pas. «Je serais tellement concentré. J’ai dû mettre mes oeillères. C’est quelque chose que nous ne pouvons tout simplement pas faire.

Peut-être parce que la photographie de Meyer est exposée à la réception du musée ou peut-être à cause de l’autorité tranquille qu’elle dégage lorsqu’elle parcourt l’installation terminée, les spectateurs ont l’impression qu’elle est l’artiste. Ils veulent lui parler, la complimenter, lui poser des questions et même poser pour des photos au téléphone. Meyers saisit pour expliquer sa nouvelle mini-célébrité. « Il y a une part de mystère dans ce qui se passe en studio, d’où vient l’œuvre. Non pas que je puisse distiller tous ces éléments pour les gens, mais ils peuvent voir à quel point c’est simple : il suffit de tracer une ligne, puis d’en tracer une autre.

« Linn Meyers: Our View From Here » est visible au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden jusqu’au 14 mai 2017 à Washington, DC Linn Meyers donnera une conférence sur son travail dans le cadre de la série Hirshhorn’s Meet the Artist le mercredi 25 mai à 18h30 dans l’auditorium du musée. Il est gratuit et ouvert au public.

MISE À JOUR 25/05/2016 : Une version précédente de cette histoire indiquait que c’était l’artiste qui travaillait avec un programme de CAO. Elle n’a pas. Le personnel du musée a utilisé ce procédé. Nous regrettons l’erreur.