rédigé par
MaxiUne nouvelle exposition retrace l’évolution de l’art narratif des tribus des Plaines depuis le XVIIIe siècle jusqu’aux œuvres contemporaines d’aujourd’hui
Robe Hunkpapa Lakota, env. 1880, Dakota du Nord ou Dakota du Sud, mousseline, tissu de laine, ruban de soie, fil, peinture
Robe en peau d’élan, ca. 1920, attribué à James White Calf (Pieds-Noirs), peau d’élan, peinture
Livre de dessins de Bear’s Heart (Southern Cheyenne), ca. 1875, papier, graphite, crayon de couleur, encre
Chemise du Haut Missouri (détail), ca. 1840, peau de cerf, crin de cheval, piquants de porc-épic, cheveux humains, perles de poney en verre, peinture, pigment, tendon
Le matériel compte. C’est l’un des thèmes de « Unbound : Narrative Art of the Plains », une nouvelle exposition au Gustav Heye Center du National Museum of the American Indian à New York. Il explore l’évolution de l’art du conte parmi les tribus des Plaines depuis le XVIIIe siècle, tout en présentant de toutes nouvelles œuvres d’artistes travaillant aujourd’hui dans cette tradition.
« Les histoires qu’ils racontent sont soit des actes de guerre, des scènes de raids de chevaux, des scènes de cérémonie ou des scènes de cour », explique le commissaire de l’exposition, Emil Her Many Horses (Oglala Lakota). « Habituellement, ils étaient imprimés sur des vêtements, des robes ou des tipis, puis plus tard d’autres matériaux ont été introduits : la mousseline, la toile, puis les livres de grand livre. »
Les artistes des plaines ont commencé à utiliser du papier de grand livre provenant de cahiers de comptabilité gouvernementaux excédentaires, ou livres de grand livre, qui sont devenus largement disponibles à l’époque des réserves (1870-1920). Alors que le gouvernement américain imposait des politiques visant à assimiler les Amérindiens dans la culture dominante et, dans de nombreux cas, à emprisonner les Indiens des Plaines, la création de « l’art du grand livre » est devenue un moyen pour les artistes guerriers de conserver leur héritage et de documenter leurs expériences. .
Un exemple marquant de ceci s’est produit à Fort Marion, à St. Augustine, en Floride, où plus de 70 guerriers des plaines du sud ont été incarcérés par l’armée de 1875 à 1878. La difficulté de telles circonstances et les efforts du gouvernement pour imposer un nouvel ensemble de règles Les valeurs sur les Amérindiens imprègnent ces œuvres, comme un dessin au crayon de couleur de 1875 réalisé par l’artiste Bear’s Heart du sud de Cheyenne, montrant des prisonniers alignés se faisant prêcher par un évêque.
Mais les représentations de batailles glorieuses et de cérémonies traditionnelles sont tout aussi répandues, comme le travail de l’artiste Crow Spotted Tail sur la peau d’élan dans lequel un guerrier utilise une lance pour abattre un ennemi armé ; ou la peinture sur mousseline de No Heart, homme-médecine de Yanktonai, représentant une simulation de bataille et de danse de la victoire. Parce que les livres de comptabilité sont devenus des matériaux si courants sur lesquels créer de l’art, le terme « art du grand livre » est devenu interchangeable avec « art narratif », un fait que le commissaire de l’exposition a cherché à explorer.
L’art narratif des plaines a commencé dès les années 1700, avec des artistes guerriers peignant des chemises en peau de cerf ou des tipis et des robes en peau de buffle, illustrés de récits de leurs batailles et de leurs raids à cheval. Certaines œuvres enregistraient des rassemblements communautaires et des pow-wow. Tout au long du XIXe siècle, alors que les colons et les officiers militaires américains s’installaient dans les plaines, leur intrusion se reflétait dans les nouveaux matériaux utilisés dans les œuvres : crayons de couleur, crayons et toile.
« Unbound » comprend des exemples de chacune de ces époques, des peintures sur peau d’élan dans les années 1880 aux illustrations récentes sur papier millimétré avec des crayons de couleur. Dans chaque œuvre, le matériau sur lequel les images sont peintes s’ajoute à l’œuvre elle-même, offrant un regard sur l’artiste et l’environnement dans lequel elle a été créée.
« Le titre « Unbound » signifie que c’est plus que du papier », explique Her Many Horses. En effet, l’exposition explore comment cet art a servi de forme de libération pour les guerriers des Plaines qui, dans certains cas, étaient littéralement liés.
Mais en plus des riches œuvres historiques incluses dans « Unbound », l’exposition comprend également plus de 50 œuvres contemporaines d’art narratif, d’artistes actuels des Plaines, que Her Many Horses a commandées exclusivement pour l’exposition.
En commandant ces œuvres, Her Many Horses a cherché à inviter des artistes appartenant à des tribus dont l’art narratif faisait partie de leurs traditions historiques – les groupes des plaines du nord, du centre et du sud. Her Many Horses est lui-même un artiste spécialisé dans le perlage et le quilting, et il participe à de nombreux marchés d’art. Il a donc « vraiment vu ce qui se passait avec l’art narratif » et avait quelques artistes en tête lorsqu’il a commencé à concevoir l’exposition. .
« Je suis littéralement allé voir ces artistes et je leur ai dit : « Je veux cinq dessins de grand livre » », dit-il. Il a ensuite demandé à chaque artiste : « Qu’aimeriez-vous voir dans la collection du Museum of the American Indian ?
«Je savais que je ne voulais pas seulement une pièce, je voulais un ensemble d’œuvres de chaque artiste.»
L’exposition qui en résulte offre une collection diversifiée de sujets et de tons. Her Many Horses donne l’exemple de l’artiste Oglala Lakota Dwayne Wilcox, dont les œuvres prennent un ton plus léger dans les scènes du Wild West Show de Buffalo Bill Cody des années 1800, et dans un pow-wow moderne dans lequel des personnes vêtues de vêtements contemporains se joignent à la célébration : » guérir par l’humour », comme le dit Her Many Horses. Ou les dessins au crayon en noir et blanc, plus réalistes, de l’artiste Chris Pappan.
«Certains artistes ont choisi de faire des styles de dessins plus traditionnels, d’autres ont choisi de faire de la danse et des sociétés guerrières contemporaines», dit-il. « Je leur ai vraiment laissé le soin de prendre cette décision. »
Les matériaux variaient également, les artistes interprétant la direction pour créer des « dessins de grand livre » de plusieurs manières. Par exemple, le portrait du guerrier Spotted Eagle de Pappan a été dessiné sur un grand livre de l’armée américaine du XIXe siècle (« Connaissant l’histoire entre notre peuple et l’armée américaine, je considère la création d’œuvres d’art sur ce papier comme ma façon de compter le coup d’État », l’artiste lui a dit de nombreux chevaux.)
Une autre œuvre de Pappan utilise du papier sur lequel une transaction immobilière a été enregistrée pour illustrer une délégation tribale Osage du XIXe siècle en route vers Washington, DC. Du papier millimétré, du papier de grand livre antique et du papier découpé pour imiter une peau de bison sont parmi les autres. matériaux utilisés par les artistes.
« Pour certains d’entre eux, les dessins du grand livre signifiaient le style, pas le papier », tandis que pour d’autres, le papier avait une signification profonde, explique Her Many Horses. « Certains artistes pourraient rechercher des registres ayant des associations spécifiques avec leur tribu, ou tomber sur un livre pour « Blackfoot Agency ». »
Le résultat est une collection d’œuvres qui reflètent la manière dont l’art peut libérer les matériaux de leur contexte d’origine et leur donner une toute nouvelle signification. La tradition artistique narrative des tribus des Plaines a ainsi donné une nouvelle valeur aux livres de comptabilité d’il y a des décennies, voire des siècles. Her Many Horses se souvient d’être allée dans un magasin d’antiquités avec d’autres artistes du grand livre qui ont spécifiquement demandé au vendeur s’ils avaient des livres de grand livre. « Le propriétaire a dit ‘non, vous êtes la deuxième personne à demander aujourd’hui.' »
« Unbound : Narrative Art of the Plains » est visible jusqu’au 4 décembre 2016 au National Museum of the American Indian, George Gustav Heye Center à New York. Le musée est situé à One Bowling Green, New York, New York.
