Quand l’écart était partout

À travers des séances de mode mises en scène, un collectif d’artistes a critiqué le détaillant de vêtements de sport en plein essor

« Nous savions que la nostalgie allait de pair avec le style comme moteur de toutes ces décisions. Quel art réussit ou reste dans les mémoires et fonctionne à nouveau ? Quelle est la durée de conservation ? Qu’est-ce qui le fait ? Tout n’est que nostalgie. Nous savions que nous nous y engageions. L’histoire est toujours aussi proche que la personne à qui vous parlez et ce dont elle parle.

—Art Club 2000, Art Forum, février 2013

En 1993, sept étudiants de Cooper Union ont formé un collectif d’artistes appelé Art Club 2000 avec l’aide de Colin de Land, qui leur a offert une exposition dans sa galerie, American Fine Arts. Là, ils ont montré « Commingle », une série de photographies mises en scène prises dans la ville de New York dans lesquelles tous les membres du collectif portaient des vêtements achetés à Gap (et sont revenus peu de temps après en raison de la politique de retour indulgente du magasin).

Il y a vingt ans, le Gap, qui existait depuis 1969, était en plein essor et ouvrait rapidement des magasins dans tout le pays. Il a également été déterminé à créer une image plus haut de gamme avec des campagnes publicitaires ambitieuses. La campagne « Individuals of Style » de la fin des années 1980, par exemple, consistait en une série de photographies en noir et blanc d’acteurs, d’écrivains, de musiciens et d’influenceurs culturels posant très sérieusement dans des vêtements Gap. Ensuite, au début des années 90, elle a lancé la campagne « Who Wore Khakis », une collection d’images d’archives de personnages historiques célèbres portant des pantalons kaki, transformant un vêtement par ailleurs ordinaire en un incontournable.

Une sélection d’images de l’Art Club 2000 (AC2K) est incluse dans l’exposition actuelle du New Museum, « NYC 1993 : Experimental Jet Set, Trash, and No Star », une collection d’œuvres d’artistes dont Alex Bag, Rachel Harrison et Felix. Gonzalez-Torres qui représente à quoi ressemblait le monde de l’art il y a 20 ans. Patterson Beckwith, membre du groupe aujourd’hui disparu, a parlé avec Threaded du rôle de Gap dans la série « Commingle » d’AC2K et de ce que cela fait de regarder ces images remplies de Gap des années plus tard.

Au début et au milieu des années 1990, The Gap s’est positionné comme une marque ambitieuse grâce à la vente de vêtements très basiques. La marque s’est efforcée de transmettre un certain style de vie auquel AC2K a répondu avec une criticité sardonique dans la série « Commingle ». Que représentait le Gap en 1993 pour l’AC2K ?

Au début des années 90, à New York, nous avons commencé à voir Starbucks à chaque coin de rue. The Gap avait récemment ouvert ses portes au coin de Haight et Ashbury à San Francisco et sur St. Marks Place et la 2e Avenue près de Cooper Union. Ils venaient d’ouvrir 20 succursales à Manhattan et il y avait plein de publicités dans les abribus – c’était un peu en face et nous y répondions.

Comment cette surabondance de Gap s’est-elle traduite dans votre pratique artistique ?

Nous voulions créer une exposition d’art centrée sur l’idée de critique institutionnelle. Nous étudiions avec Hans Haacke à Cooper Union qui utilisait la recherche, le reportage et la photographie dans son travail. Nous avons décidé que « Mélanger » était une critique de la critique institutionnelle. Il a fallu choisir un établissement, et nous avons choisi Gap. Normalement, une critique institutionnelle pourrait examiner un musée ou une galerie dans lequel l’œuvre se trouve réellement. Nous faisions quelque chose d’un peu différent, mais nous examinions comment le style journalistique et les recherches de Hans Haacke avaient influencé son travail.

Comment avez-vous fait des recherches sur Gap ? Qu’as-tu trouvé?

C’était avant Internet, alors nous avons commencé dans la bibliothèque et avons trouvé quelques articles et interviews dans des magazines économiques. Nous avons postulé pour des emplois à Gap, nous avons traîné dans les magasins, nous avons pris des photos à l’intérieur des magasins – mais nous avions besoin de plus d’informations. Nous avons fouillé les poubelles des magasins Gap et toute leur culture d’entreprise a été jetée à la poubelle : manuels de vente, manuels des employés, flashcards, notes manuscrites d’un chef d’équipe à l’autre.

La nostalgie s’infiltre dans ces photos d’AC2K aujourd’hui, 20 ans plus tard, alors que nous nous souvenons, plutôt penauds, des styles que nous portions autrefois. Parce que le look de Gap à cette époque était si omniprésent et si distinctif de Gap, comment le caractère relationnel et familier des vêtements a-t-il joué dans votre travail ?

Nous nous déguisions en gens qui faisaient leurs courses à Gap. Nous choisissions les vêtements Gap les plus ridicules et les plus colorés de l’été 1993 et ​​les assemblions au fur et à mesure que nous voyions les gens les porter. Comme nous étions sept dans le groupe, il pouvait être difficile de se mettre d’accord sur quoi que ce soit, mais nous avons tous trouvé que c’était amusant de se déguiser. Même si nous n’étions pas à la mode, nous pouvions tous nous déguiser et prendre des photos.

Cela rappelle le travail de la photographe Cindy Sherman, qui utilise des vêtements et du maquillage ordinaires pour se transformer, de manière assez puissante, en personnages très spécifiques dans ses photographies.

Ouais, ce qu’on portait, c’était des vêtements qu’on voyait dans les magasins à l’époque, des trucs relativement normaux. Nous ne portions peut-être pas ces vêtements nous-mêmes, mais ils étaient portés – aussi étranges et horribles que certains de ces vêtements paraissent 20 ans plus tard. La photo à Times Square où nous portons des lunettes de soleil et vêtus de jeans, de bandanas et de bottes – nous jouons vraiment un personnage. Nous jouons toute une variété de personnages tout au long de la série.

Au début des années 90, les vêtements Gap étaient androgynes. Comme le montre l’exposition du New Museum, les débats sur les politiques identitaires, les rôles de genre et la sexualité étaient présents dans l’art et dans la culture en général à cette époque. Comment le look unisexe des vêtements Gap de la série « Commingle » faisait-il référence à ces conversations ?

Nous étions des étudiants en art de 19 ou 20 ans qui étudiaient avec Hans Haacke, Laura Cottingham, Doug Ashford et c’est ce que nous apprenions. C’était dans leur esprit et c’était aussi dans notre esprit.

Dans les cycles de la mode, l’androgynie était plutôt branchée à ce moment-là. Et nous étions d’accord avec le fait que les gens regardent les photos et ne soient pas en mesure de déterminer le sexe de certaines personnes. Je pense que les vêtements Gap ont vraiment contribué à cela, notamment en créant une sorte d’uniforme. Nous avons aimé jouer avec l’androgynie et les rôles de genre et ne pas reculer devant l’idée que votre identité dépend de la façon dont vous vous présentez et de ce que vous choisissez de porter.

Les lieux dans lesquels les photos sont prises – un café, une bibliothèque, une salle de cinéma, un magasin de meubles – ont une atmosphère générique, tout comme les vêtements. Ensemble, ils créent des tableaux très ambivalents. Qu’essayiez-vous de réaliser ?

Nous avons découvert le travail de Philip-Lorca diCorcia et l’idée de la photographie en réalité construite qui gagnait en popularité à l’époque, une photographie basée sur le cinéma. L’idée que chaque photo est réellement construite a influencé notre réflexion.

Comment se sont déroulés les tournages ?

Nous avons fonctionné comme un shooting éditorial de mode. Il y avait une division du travail : maquillage, repérage des lieux, stylisme, sélection des vêtements. Nous n’irions pas forcément faire du shopping ensemble. Comme pour un éditorial de mode, un changement de lieu signifierait un changement de vêtement. Même si nous n’avions jamais fait de shooting de mode auparavant, nous savions que c’était quelque chose que nous étions censés faire et c’est ce que nous avons fait.

Cette interview a été éditée et condensée.

NYC 1993 : Experimental Jet Set, Trash et No Star est ouvert jusqu’au 26 mai 2013 au New Museum de New York.