Le photographe paysagiste Frank Gohlke, dont les images sont apparues dans plus de dix livres, présente une nouvelle exposition, « Accommodating Nature », au ToutLeCD.com American Art Museum. Il s’est entretenu avec Anika Gupta du magazine.

Vous avez dit un jour que vous essayiez de créer des images qui ne parlent pas de la nature. N’est-ce pas une déclaration étrange de la part d’un photographe paysagiste ?

Dans les années 1970, j’ai développé cette idée pour regarder le monde que nous avons créé plutôt que le monde dans lequel nous sommes nés. Essentiellement, le paysage est le plus grand artefact créé par toute culture.

Les critiques d’art disent que vos photographies visent à remettre en question le naturalisme romantique d’Ansel Adams.

C’est une déclaration assez juste. Quand j’étais devenu photographe, Adams était la grande figure de la photographie de paysage. J’admirais son travail, mais je n’avais pas l’impression que sa vision de la grandeur de la nature était quelque chose en laquelle je pouvais croire. J’étais plus intéressé par l’urbanisation et le mélange harmonieux entre le monde humain et le monde naturel.

Vous avez photographié des tornades, des glissements de terrain et des éruptions volcaniques. Pourquoi êtes-vous attiré par les catastrophes naturelles ?

Nous essayons toujours de trouver certitude et sécurité dans un monde qui, même dans sa forme la plus civilisée, n’est pas très sûr. Nous essayons de nous protéger contre les volcans et les tornades, mais ils nous dépassent malgré nos meilleures précautions. Alors que se passe-t-il après que le pire soit arrivé ? C’est ce que je recherche. Il ne s’agit pas d’une catastrophe naturelle, mais d’une réponse humaine.

Comment les gens devraient-ils réagir à vos photographies ?

Je veux que les gens prennent du plaisir à regarder ces images et repartent avec une idée plus large de ce à quoi il vaut la peine d’y prêter attention. Je veux transmettre une idée de la richesse du monde ordinaire.

La relation entre l’homme et la nature a changé depuis les années 1970, lorsque vous avez commencé à faire de l’art. Comment vos photos ont-elles changé en réponse ?

Eh bien, il y a eu quelques changements dans le paysage. Lorsque vous vous promenez autour du mont St. Helens, la première chose que vous remarquez, ce sont les dégâts causés par l’éruption volcanique. Ensuite, vous remarquez qu’il y a eu énormément de changements dus à l’industrie forestière. Il y a des débris provenant des sites d’exploitation forestière et des parcelles d’arbres d’âge uniforme, résultat de coupes à blanc et de replantation. À bien des égards, l’exploitation forestière a été plus destructrice pour l’environnement que tout ce que le volcan pourrait faire, et j’essaie de le souligner dans mon travail. Mais je veux surtout présenter les images et les données pour que les gens puissent tirer leurs propres conclusions.

Certaines de vos photos contiennent des personnes, d’autres non. Essayez-vous de garder les gens hors d’un paysage ?

En général, je n’inclus pas de personnes dans une image, car même si les personnes sont mon sujet, leurs images ne le sont pas. Je m’intéresse davantage à l’effet que les gens ont sur la terre et à la façon dont la terre affecte notre perception de notre place dans le monde. Lorsque j’inclus des gens, ils sont petits et ils ne sont présents que parce qu’ils étaient au bon endroit au bon moment.

Vous avez alterné travail en couleur et travail en noir et blanc. Avez-vous une préférence?

Lorsque j’ai commencé la photographie en 1967, le noir et blanc étaient les couleurs de la photographie sérieuse. La couleur était un média commercial. Même lorsque cela a commencé à changer dans les années 70, j’ai continué à faire du noir et blanc parce que j’adorais ça. J’adorais regarder des tirages en noir et blanc et réaliser des images en noir et blanc. Tout ce que je voulais aborder dans mon travail semblait plus direct et épuré en noir et blanc.

Puis, après ma quatrième année de photographie au Mont St. Helens, j’ai eu l’impression d’avoir poussé le noir et blanc aussi loin que possible. Je pensais que la couleur serait un défi intéressant. J’ai donc travaillé exclusivement en couleur pendant sept ou huit ans. Aujourd’hui, je travaille dans les deux. J’ai tendance à mener simultanément un projet en couleur et un projet en noir et blanc, et je conçois mes projets en gardant à l’esprit la palette de couleurs.

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