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MaxiÀ l’American Indian Museum, la nouvelle exposition retrace une carrière allant des œuvres minimalistes aux paysages monumentaux
«Je suis un bavard. J’ai du mal à me taire », admet l’artiste Kay WalkingStick alors qu’elle guide un journaliste à travers une rétrospective de ses œuvres au National Museum of the American Indian. Mais debout devant un mur de croquis au fusain et au graphite sur papier, la peintre de 80 ans basée à Easton, en Pennsylvanie et membre de la nation Cherokee, parle de faire exactement le contraire : préserver le mystère de son art.
« Que diable se passe t’il? Pourquoi diable mettrait-elle une croix au milieu de tout ce désordre ? elle dit que les gens doivent poser des questions sur son art.
«J’aime l’idée que des gens viennent y venir sans le comprendre complètement – peut-être qu’ils ramènent cela à la maison et réfléchissent à ce qui se passe là-bas», dit-elle.
Ses cinq décennies de carrière sont honorées dans cette première grande rétrospective, « Kay WalkingStick : An American Artist », visible jusqu’au 18 septembre 2016, et comprend plus de 65 œuvres rarement exposées. En voyant l’installation pour la première fois, WalkingStick a été dépassé. « Je me sens quelque peu déconnectée de l’œuvre, car je l’ai toujours vue en studio ou dans une petite galerie », dit-elle. « Je n’en ai pas vu une grande partie depuis des années. »
Comme les rétrospectives ont l’habitude de le faire, l’exposition démontre des changements significatifs dans le répertoire de WalkingStick. Le spectacle s’ouvre avec le 2011 Désert du Nouveau-Mexiqueun grand tableau des collections permanentes du Musée qui comprend des motifs traditionnels superposés sur un paysage désertique, et l’exposition retrace sa carrière depuis ses œuvres minimalistes des années 1970, dont beaucoup représentent des corps sensuels – pour la plupart des autoportraits nus – jusqu’à ses œuvres monumentales plus récentes. travaux paysagers.
Le ciel bleu et les nuages dans son 1971 Qui a volé mon ciel, une série de toiles empilées à l’intérieur d’un cadre en bois qui ressemble à une construction de boîte dans une boîte, évoque l’œuvre de René Magritte en 1928 Le faux miroir. Dans le catalogue de l’exposition, Kate Morris, professeure agrégée d’histoire de l’art à l’Université de Santa Clara, note que les peintures du ciel de WalkingStick étaient une réponse au mouvement environnemental naissant du début des années 1970. «C’est dans ses premiers travaux qu’elle a été la plus proche de faire des proclamations politiques ouvertes», écrit Morris.
Des toiles fortement superposées des années 1980 avec de la peinture acrylique appliquée en couche épaisse et de la cire saponifiée, qui intègrent des barres obliques et des croix – ce que WalkingStick décrit comme « tout ce désordre » – sont suivies dans les galeries suivantes avec ses œuvres en diptyque qui juxtaposent abstraction et formes de représentation. Vient ensuite une série de cartographies du corps à travers les paysages ; et enfin des œuvres qui combinent des motifs et des paysages traditionnels autochtones.
En grandissant, l’art était « l’entreprise familiale » pour WalkingStick. Deux des oncles de WalkingStick étaient des artistes professionnels ; et son frère, Charles WalkingStick, 93 ans, qui vit dans l’Oklahoma, était un artiste commercial et une sœur est céramiste.
« Les Indiens pensent tous qu’ils sont des artistes. Tous les Indiens sont des artistes. Cela fait partie de l’ADN », explique WalkingStick. « J’ai grandi en pensant que c’était une chose viable à faire. J’ai toujours dessiné.
WalkingStick aime raconter aux gens qu’elle a appris à dessiner en fréquentant l’église presbytérienne. Sa mère lui tendait un crayon et du papier pendant les longs sermons. WalkingStick se souvient d’être assis près d’une rosace.
Les cinq décennies de carrière de Kay WalkingStick sont honorées dans une rétrospective majeure, « Kay WalkingStick : An American Artist », au ToutLeCD.com’s National Museum of the American Indian.
Elle 1983-1985 Les points cardinaux de la collection du Heard Museum de Phoenix est présent dans l’exposition et mélange la croix à quatre directions, les directions de la boussole et la coloration du cardinal mâle (l’oiseau) et des cardinaux catholiques. « Le titre a un double sens », explique WalkingStick.
Elle a utilisé ses mains pour étaler la peinture acrylique et la cire saponifiée sur la toile, et a collé une deuxième couche de toile sur la première. (Elle a creusé la croix avec un outil de bûcheron une fois la peinture sèche, « pour obtenir une belle ligne nette. Si vous le faisiez alors qu’elle était mouillée, vous obtiendriez une ligne douce. ») Le travail, estime-t-elle, a environ 30 couches de peinture. La cire, composée de la même manière que le savon, « enlève l’aspect plastique de la peinture elle-même », dit-il. « Cela lui donne un aspect plus naturel. Il arrive aussi que cela donne au studio une odeur divine. C’est fait avec de la cire d’abeille ; ça sent le miel.
Toutes ces couches rendent les toiles – dont elle a choisi la taille en fonction de l’envergure de ses bras pour pouvoir les soulever – assez lourdes. WalkingStick pose généralement la toile à plat sur une table pendant qu’elle travaille, mais elle devait quand même les déplacer une fois qu’ils avaient terminé.
«Je suis une grande fille forte», dit l’octogénaire. « En y repensant, comment diable ai-je fait ça ? Je peux toujours les porter, mais je ne peux plus les transporter comme avant.
L’exposition des œuvres de WalkingStick fait partie d’un objectif plus large du musée visant à accroître la compréhension du public de ce à quoi ressemble l’art autochtone contemporain, selon les co-conservateurs Kathleen Ash-Milby et David Penney.
« Beaucoup de nos visiteurs ont du mal à accepter le fait que les personnes d’ascendance autochtone mènent une vie très compliquée, bien remplie, riche et souvent cosmopolite à la fin du 20e et au début du 21e siècle. Ils s’attendent vraiment à ce que les Amérindiens soient à sens unique. Il s’agit moins d’une identité que d’un stéréotype culturel », explique Penney.
Il y a des artistes autochtones qui créent des œuvres traditionnelles, et c’est une bonne chose, mais d’autres artistes autochtones travaillent dans les nouveaux médias, la performance et divers autres domaines. « Et ils sont toujours autochtones », déclare Ash-Milby. « Certains de nos meilleurs artistes ont du contenu autochtone dans leur travail, mais c’est plus sophistiqué. »
Penney note que les paysages récents de WalkingStick s’inspirent des traditions paysagères américaines, comme celles de l’artiste Albert Bierstadt de l’Hudson River School du XIXe siècle.
« Le message de ces grandes Bierstadt était vraiment le suivant : voici un continent sauvage prêt à être conquis. Dans un sens, ces images sont une tentative de reconquête de ce paysage », dit Penney à propos du travail de WalkingStick. « La géologie est témoin de la mémoire culturelle. Et puis ces conceptions sont une façon de réaffirmer le fait qu’il s’agit de lieux autochtones qui ne peuvent être séparés de l’expérience autochtone, de l’histoire et de l’histoire de ce pays.
Lorsqu’on lui demande ce qu’elle espère que les téléspectateurs retiendront de l’émission, WalkingStick fait écho à des objectifs similaires. « J’aimerais que les gens comprennent à un niveau très profond que les Autochtones font partie intégrante de notre monde qui fonctionne, de notre monde entier, de notre nation. Que nous sommes là. Que nous sommes productifs. Et qu’on parle aux autres », dit-elle. « Nous faisons partie de la culture dominante. »
« Kay WalkingStick: An American Artist » est visible jusqu’au 18 septembre 2016 au National Museum of the American Indian à Washington, DC. La Fédération américaine des arts visitera l’exposition au Dayton Art Institute à Dayton, Ohio (février 2016). .9, 2017-7 mai 2017), Montclair Art Museum à Montclair, NJ (3 février 2018-17 juin 2018) et deux lieux supplémentaires en 2017.
